Nella storia della cultura visiva italiana, il sacro non si è quasi mai manifestata attraverso il vuoto o la fuga dal dato reale; al contrario, ha sempre preteso il peso del mondo per potersi incarnare. La pietra, la terra arida, la carne, la densità della materia e i tagli improvvisi di luce sono stati il primo linguaggio attraverso cui l’invisibile ha trovato forma. Muovendo da questa consapevolezza, la mostra ripensa il concetto di paesaggio: la penisola con le sue coste scoscese, le distese accecanti e i neri notturni viene sottratta alla narrazione convenzionale per essere restituita alla sua natura di soglia. Attraverso un’operazione che richiama il principio fenomenologico dell’epoché, gli artisti espungono dalla tela l’elemento aneddotico; ciò che sopravvive è un’architettura visiva spoglia e risonante, capace di convertire l’ampiezza orizzontale dello sguardo geografico in un asse di ascesa verticale, in cui la pittura si fa luogo di sospensione. In questa cornice teorica, la ricerca di Alberto Colliva affronta la terra nella sua accezione più dura e tellurica. La superficie rocciosa e la radice panteistica del suo lavoro non cercano la resa mimetica, ma vengono costantemente messe in crisi da nette interruzioni della continuità dell'immagine. I contorni e i volumi vengono letteralmente bruciati e schiacciati da una luce violenta, tersa e assoluta. Il paesaggio di Colliva è il momento in cui la materia, sotto il peso della luce, rivela il suo inganno. Claudio Valerio costruisce invece un’indagine sulla dimensione notturna e interiore, affidandosi a una spazialità densa tracciata attraverso il carbone e l’olio. In una contemporaneità dominata dall’iper-visibilità e dalla saturazione luminosa dei contesti urbani, i suoi giardini e i suoi scorci d’ombra operano per sottrazione. La notte di Valerio non è mai uno spazio di privazione, ma un luogo di custodia e raccoglimento spirituale, all’interno del quale lievi bagliori e mormorii di luce permettono allo sguardo di riappropriarsi del proprio tempo profondo. Infine Filippo Maestroni, la cui ricerca si innesta per la prima volta negli spazi della galleria, trasfigura la topografia dei calanchi della terra faentina in scenari vivamente metafisici. Attraverso cromie alterate, forme che si affrancano dalla gravità e la presenza di elementi archetipici come il vaso, il paesaggio naturale viene sottoposto a un vero e proprio processo di distillazione alchemica. La materia terrena perde la propria pesantezza e la natura, rarefacendosi, si avvicina gradualmente allo statuto dell’apparizione. Riunendo le opere di artisti noti della galleria insieme a nuove voci, LandEscape stabilisce così il punto di partenza per una ricerca a lungo termine. Una prospettiva che intende fare della superficie pittorica un terreno di passaggio, un segno tangibile capace di custodire e rivelare la complessità di ciò che resta invisibile.